人的记忆力会随着岁月的流逝而衰退，写作可以弥补记忆的不足，将曾经的人生经历和感悟记录下来，也便于保存一份美好的回忆。范文怎么写才能发挥它最大的作用呢？这里我整理了一些优秀的范文，希望对大家有所帮助，下面我们就来了解一下吧。
音乐欣赏课教学反思篇一
音乐，是高山，是流水，是太阳，是月亮。是净化心灵的天使，是万物之美的根源。音乐是能使万人同喜、同悲的魔法。音乐无界，让这跳动的旋律走进心灵吧！
去听听《义勇军进行曲》吧！当那雄壮浑厚的旋律响起时，你有没有觉得一阵激情流入身体？有没有看到万人同歌，人民军队奋勇杀敌的场面？有没有感到枪弹飞射，血光四溅的残酷？有没有感到一股力量充盈于你的身体？让国歌的雄壮，中华民族的不屈全盈斥于身心吧！让这音乐走进心灵！
去听听《黄河颂》吧！当那激昂的旋律响起时，你有没有觉得一阵澎渤的，浪花翻涌的水流入身体？有没有听到壶口瀑布似雷电，似万鼓齐鸣的声音？有没有看到似万马奔腾时搅起的滚滚黄尘样的河水？有没感到黄河的精魂进入你的身心？让黄河的雄浑，中华民族的庞大力量贯入身心中去吧！让这音乐走进心灵！
去听听《长江之歌》吧！当那绝美的旋律响起时，你有没有觉得一阵绝美的颂歌正贯入你的身体？有没有听到长江浪涌，滚滚如海时的震撼人心的声音？有没有看到“长江之水天上来，奔流到海不复回”的场面？有没有觉得一阵激情正注入你的身体？让长江的雄伟，中华民族的精魂贯入你的身心吧！让这音乐走进心灵！
去听，去听去听中华民族的音乐吧！去感受那一场场壮观的画面吧！
去听，去听，去听音乐吧！用身，用心去听，让音乐和灵魂融为一体！让音乐走进心灵！
音乐欣赏课教学反思篇二
在开始部分就和孩子一起复习了春天的特征，讲述了一个春天的故事，蝴蝶在春天从蛹变成虫变成蝉变成蝴蝶的故事，充分引起了孩子的兴趣。
第二部分介绍音乐时，我请孩子来欣赏一段关于蝴蝶的故事，产用整首欣赏的方法，通过看图谱和听音乐，引导幼儿发现音乐有几段，每段有几句。然后练习蝴蝶飞着去找花，飞三下找一朵花，飞四下找一朵花。
在幼儿掌握的基础上，我启发幼儿想象蝴蝶飞翔的动作，通过语言不断的鼓励幼儿想出不同的动作。然后跟着音乐，练习蝴蝶飞。孩子们有些显得兴奋，常规较乱。在常规比较乱的情况下，我没有往下继续，而是停了一下，让幼儿静下来，安静听音乐，使幼儿在情绪得到平静。
在幼儿掌握音乐之后，请幼儿区分什么时候是蝴蝶飞的，什么是摆造型的，幼儿在边表演边倾听时只会跟着老师表演，于是我让幼儿安静下来，闭上眼睛安静的听，幼儿听，老师讲，然后再来表演，果然，幼儿对音乐的理解比以前好多了，知道什么是是飞，什么时候是摆造型。
我进一步引导幼儿飞出不同的动作，摆出不同的造型，跟别的小朋友想出不一样的。我采用分角色表演的形式，男小朋友和女小朋友分开表演花和蝴蝶，蝴蝶的姿势比较多样，花的姿势就少了点。我突出表演了一些会创新动作的幼儿，于是很多幼儿都能做出和其他小朋友不同的动作，活动效果很好。
音乐欣赏课教学反思篇三
1、 学习歌曲《我爱天安门》，感受3/4拍强弱弱的节奏。
2、 知道天安门在我国的首都北京，激发热爱祖国的情感。
1、 中国地图与天安门的图片(各1张)
2、 音乐磁带
提问：这是一段什么音乐?听到这段音乐你们最想做什么动作?
引导：是的，这是我们曾经做过的功夫操，今天我们可以来跟着音乐来试一试表演一段最神气的功夫。
1、 幼儿运用动作表演中国功夫
引导：你们都愿意来试一试吗?
2、 鼓励幼儿再次听着音乐表演功夫操
小结：中国功夫是我们中国独有的.特色，天天晨起练一套操，保证使你身体最健康。
1、 寻找天安门在哪里?
提问：有谁知道天安门在哪里?你是从哪里知道的?
提问：那么北京在中国的哪里呢?
(可请幼儿在地图上寻找到)
小结：天安门是北京最有名的建筑物，北京是中国的首都，所以天安门是中国的一部分。
2、 天安门是什么样子的?
提问：有谁知道天安门是什么样子的?
(幼儿回答之后，出示天安门的图片)
提问：你们想去天安门吗?什么时候才能去呢?
引导：虽然天安门离我们很遥远，但是我们可以通过看图片来感受天安门的雄伟，通过演唱来表达对天安门的热爱。
(教师范唱)
提问：这首歌曲是几拍子的?你是怎么知道的?
小结：这是一首3/4拍的歌曲，所以我们能从歌曲中听到强、弱、弱的音乐感觉。
2、以拍手得方式再次表现3./4拍的节奏
提问：这首歌听上去有什么感觉?
提问：歌曲最后欢快的啦啦啦声来表达出了什么样的感情?
小结：欢快的啦啦声表达出了小歌手喜爱天安门的，向往天安门的感情。
(歌曲跟唱2-3遍)
音乐欣赏课教学反思篇四
乐曲名为《鞋匠之舞》，属于典型的abab结构，为了帮助幼儿更好形象的理解音乐，所以设计了修鞋、试鞋、展示鞋的情节，并希望通过引导幼儿的自由表现激发幼儿的想象力、创造力。
1、能理解并使用自己的动作表现abab结构。
2、能变换节奏用身体动作表现音乐。
3、能大胆想象、创造，在音乐b段时够迅速做出有创意的造型。
《bingo》和《鞋匠之舞》音乐cd
1、活动引入
2、熟悉a段音乐，尝试用不同节奏表现音乐
（2）幼儿说说鞋匠是如何修鞋子的，并进行模仿钉鞋子。
（4）提问：“我们修鞋子时除了用铁锤来敲，还可以怎样修？”当幼儿说到其它的修鞋方法时，教师带领幼儿学一学，变换节奏修鞋。如：粘――粘――粘――粘――、粘粘粘粘粘。
3、幼儿创编表现abab音乐
（1）幼儿随音乐用自己想用的方法来修鞋子，并引导幼儿在听到第一个b段音乐时“穿”上自己修的鞋子，第二个a段音乐时踏踏脚，试试自己修的鞋子是否结实，第二个b段音乐时将鞋子伸出来给大家看看。
（2）鼓励幼儿想想除了简单的伸脚展示鞋子，还能怎样展示。教师请个别幼儿上前做个大家看一看。
（3）幼儿随音乐完整修鞋并展示，教师及时表扬和鼓励。并请个别幼儿示范一下自己修鞋和展示的方法。
（4）提醒幼儿要用自己的方式展示鞋子，让大家都能够看得到。幼儿再次随音乐修鞋子，并展示。
（5）引导幼儿与朋友一起相互展示自己的鞋子：“我们的鞋子修得真好，这一次要更认真地修哦，修好后去给你的朋友看看，比一比你们谁修得好。”幼儿随音乐修鞋并展示。
（6）请1、2对幼儿向大家展示自己是如何互相展示鞋子的。
（7）鼓励幼儿随音乐，将自己修好的鞋子与更多的朋友进行相互的展示。引导幼儿与同伴合作，共同商量创编各自展示鞋子的方法。
（8）幼儿随音乐，与同伴合作将商量的创意表现出来。教师及时对合作得好的幼儿进行鼓励和表扬。
4、活动结束
音乐欣赏课教学反思篇五
1、学习按图形和节奏选用恰当的乐器为乐曲伴奏。
2、能够按指挥的手势正确的.进行乐器演奏，感受大家合作表演的愉快。
图谱、伴奏带、乐器图片三张、乐器若干样（碰铃、圆鼓板、铃鼓）
一、听音乐。
1、欣赏音乐。
2、教师提问。
师：歌曲放完了，请说说你的感受？（欢快、活泼、高兴）
二、出示图谱。
1、教师哼唱歌曲一遍。
2、教师提问：请你们想一想，可以用哪一些身体动作来为这张图谱打节奏？（拍手、拍肩、抖手、跺脚）
3、教师边哼唱音乐边演示动作。
4、教师带领幼儿用身体动作来表示图谱。
5、分组听音乐做身体动作来表示图谱。
三、分配、出示乐器。
1、教师提问：请小朋友看看这几个图案，你觉得用哪些乐器来配合适？
2、徒手练习（教师哼唱，幼儿跟教师一起做动作）
3、分组徒手练习。
四、打击乐演奏。
1、教师带领幼儿用乐器演奏2遍。
2、请小朋友交换乐器演奏（先徒手练习一遍）。
3、用乐器演奏。
五、活动延伸。
请小朋友说一说参与打击乐演奏的感觉，请幼儿回到班级继续演奏。
大班歌曲活动：春雨沙沙
大班音乐活动：风爷爷
音乐欣赏课教学反思篇六
引导语：下面小编就给大家带来音乐欣赏入门，希望能够帮助到您，谢谢您的阅读，祝您阅读愉快。
即音的高低范围，它虽然有约定俗成的概念，但没有非常严格、确切的界限，所谓高音区、中音区、低音区是相对而言。对于各种乐器和各种人声的音区划分，它们的标准是不同的。比如钢琴上的中央c，即整个键盘中间的c音，对于小提琴来说，是低音区，可是对于倍大提琴来说，它就是高音区了;同样，男低音的高音区是女高音的中低音区，等等。我们这里所谈论的音区是以一个完整的管弦乐队或一个完整的合唱队为范畴的，它的概念是广义的，而不是针对某一件乐器或某一种人声。
音区是音乐写作中十分重要的一个手段，不同的音区可以表达不同的思想感情、模仿生活和大自然中的声音，同时，作品中音区的变化还会带来新鲜的意趣。通常来讲，高音区一般具有清脆、明亮、尖锐的特性;而低音区则往往给人以浑厚、深沉之感(请注意：音乐中的各种要素都不可能孤立地使用，它们在和其他要素结合时会产生出各种各样的效果)。在模仿隆隆雷声时，作曲家常常会使用低音区的定音鼓，模仿云雀的婉转歌喉时，会选用高音区的木管乐器;在表现安详沉思的时候，往往会利用大提琴那凝重深沉的音区;而在表现飘逸神思的时候，可能会让小提琴声部在高音区轻柔地歌唱。
在一部作品中，作曲家不会只使用同一个音区，他们会利用音区的对比来造成新鲜感和情绪上的推进、变化，这样的例子数不胜数。例如，英国作曲家阿诺尔德()的《四首苏格兰舞曲》中的第二首，它的素材十分简洁，只用了一条活泼跳跃的旋律，但通过运用音区(还包括音色以及节奏)的变化，使音乐显得妙趣横生。
谱例：阿诺尔德《四首苏格兰舞曲》第二首：vivace(活泼的)
首先是乐队中音区较低的大管和在低音区吹奏的单簧管;第二段是音区略高的长笛，但它是长笛本身的中低音区，与此同时，伴奏的乐器采用不同于主旋律的音区，形成了鲜明的对照;在第三段里，作曲家再次换了一个音区(也换了一个调)，比刚才还要高些，这是小提琴组的声音，但第二个句子就又换成了低音区的大提琴。第四段是音区更高的小提琴组以及小号，第五段是在中音区的木管组和弦乐拨弦。第六段速度变慢，低音区的大管再次成为主角。第七段是中音区的单簧管。
曲例一：阿诺尔德《四首苏格兰舞曲》第二首：vivace(活泼的)
从上面的例子可以看出，音区是音乐写作中十分有效的手段，它的变化会带给听者新鲜的意趣和生动、丰富的联想。
力度(dynamics)是音响强弱的程度。它和音区一样，也是一个相对的概念，不能简单地用物理学中的分贝单位标准来衡量。
力度标记通常采用意大利语的音乐术语。作曲家在乐谱上标有详细的力度标记，从最弱的到最强，通常可分为十几个层次，每一个层次的力度都是一个相对值。piano，是弱的意思，缩写为p，p越多就越弱，最多可有5个p，那就是极弱极弱。forte，是强的意思，缩写为f，f越多就越强，假如乐谱上标有五个f，那就是相当强，演奏者必须竭尽全力地演奏。除了这些记号以外，还有很象是数学中的小于号和大于号的渐强和渐弱记号，以及突强突弱记号等等。
需要说明的是，在音乐中力度的变化是非常细致而复杂的，繁琐地把一切细微的力度变化都标记出来显然是不可能，也是不必要的，每个演奏家都会在作曲家的提示下，根据自己的感觉来做出具体细致的力度变化。
力度变化是重要的音乐表现手段。它可以表达丰富的情感，并造成音乐的对比和发展。一般来说，力度越强，音乐越紧张、雄壮，力度越弱，音乐越缓和、委婉。如表现万众欢腾，胜利凯旋，要大型乐队全奏、强奏(全奏是指整个乐队都演奏，音区从低到高都包括在内)，而鸟语花香、花前月下，当然就不会使用很强的力度了。这里还要强调一下，音乐要素的互相配合会造成丰富多样的效果，因此有时候弱的力度不一定柔和委婉，它也可能是令人紧张的。
以挪威作曲家格里格(grieg)的管弦乐组曲《培尔*金特》中的《在山大王的宫中》为例进一步分析。剧中主人公培尔*金特是一个浪荡子，在村子里干了许多坏事，被大家痛恨，不得不远离家乡去外面闯荡。一次，他来到了山大王的宫中，引出来了许多大小妖怪，冲着他喊叫，把他吓得魂不附体。作曲家为这个场景写了一段十分有趣的音乐，起初的力度很弱，逐渐加强，直到非常响亮，成功地描绘了越来越多的妖怪以及他们越来越疯狂的舞蹈。全曲只有一个旋律素材，但通过力度、音区和节奏、音色的变化，获得了极其生动的表现效果。
谱例一：格里格《培尔*金特》中的《在山大王的宫中》主题旋律
曲例一：《在山大王的宫中》
再举一个类似的例子。这是俄罗斯作曲家斯特拉文斯基(stravinsky)的芭蕾舞剧《火鸟》终曲。舞剧故事大意是：一个王子打猎时遇到了一只羽毛金光闪闪、象火焰一样美丽的大鸟。火鸟恳求王子不要打它，并给了王子一支羽毛，告诉王子今后在遇到了困难的时候，只要对着羽毛呼唤，它就会立即前来相助。王子放了火鸟，后来他真的遇到了困难，当他想解救一个被魔王施了魔法的公主时，因势单力薄，打不过魔王，紧急中他想到了火鸟的许诺，拿出那根金光闪闪的羽毛呼唤起来。果然，火鸟立即出现了，他们齐心协力，砸碎了一个巨大的蛋，使魔王丧失了他的魔力，最后他们救出了公主。在全剧的最后，作曲家斯特拉文斯基写了一段终曲，从很弱的力度逐渐加强，直到极强，音区是从中音区开始逐渐提高，造成从朦胧神秘到逐渐明朗的音响效果，节奏也是从缓慢渐渐加快，在达到极快之后，又放慢下来，节奏拉宽，最后给人以获得胜利后无比自豪的感觉。
谱例二：斯特拉文斯基舞剧《火鸟》的终曲
曲例二：《火鸟》的终曲
对力度这个要素的运用，作曲家们都非常精心，所以演奏和演唱者也都要十分注意把各种力度层次做出来。我们常常听到有些初学乐器者在力度运用上要么是能力有限，控制不了乐器的力度，要么就是对乐谱上的力度标记视而不见，以为只有音符才是音乐，结果演奏得毫无趣味可言。人们通常说的"缺乏乐感"常常就是指演奏上缺少力度变化和丰富的.力度层次。
总之，通过力度变化产生的音响可以表达愤怒呼号、急风骤雨、雄伟悲壮、奔腾豪放、果敢刚烈等强烈的情感，也可以表达低声倾诉、喃喃细语、安慰爱抚、叹息抽泣、甜蜜幸福等内心的微妙感受，还可以表达空谷回声、黄昏钟鸣、高山流水、小溪潺潺等大自然的奇观美景甚至阳光、月色、云彩、微风等看得见摸不着的物体。总之，力度的表现力是相当丰富的，可以说它是一种富有"魔力"的音乐要素。
旋律(melody)也称作曲调，是一连串乐音的有组织的进行。
与其他要素相比，旋律在音乐中的地位最突出，自然也就是最主要的表现手段。可以说，任何人在听了一首作品之后，首先记住的就是旋律，它是可以由我们哼唱出来的，而其他要素如单纯的音区、力度、节奏，离开了旋律，简直就无法独立存在，所以有人说，旋律是音乐的灵魂。不过，在有些音乐中，旋律并不占有至高无上的地位，比如二十世纪的一些新颖独特的作品，是以音色为主要的构成因素，而非洲的鼓乐则主要是由各种节奏组合而成的。限于篇幅的原因，本节内容不涉及这一类特殊的音乐。
旋律和我们的日常语言关系十分密切，最早的音乐，它们旋律的曲折变化，是依附于语言本身的，可以说，它就是将语言中的音高加以夸张得来的。比如我们中国人的吟诗，就是将诗句用较为音乐化的调子朗读出来，西方古老的圣咏也是这样。后来渐渐地有了不依附于语言的音乐旋律，但如果仔细想想，这些形态各异的旋律仍然和语言有着深层的关系，比如曲折婉转的旋律，有如亲切的谈话;短促有力的旋律，很象是命令或惊叹的口气;下行的旋律就如同我们日常生活的熟悉的叹气声，它往往用来表现哀伤的哭泣或沉重的叹息。
谱例一：贝多芬第五交响曲末乐章主题
曲例一：贝多芬第五交响曲末乐章主题
它的旋律是有主和弦分解而成的号角音调，棱角分明，具有英雄气概。这种旋律特性是贝多芬的一个鲜明的标志，是他的个性语言。
谱例二：柴科夫斯基第六交响曲末乐章
曲例二：柴科夫斯基第六交响曲末乐章
谱例三：柴科夫斯基第六交响曲第三乐章
曲例三：柴科夫斯基第六交响曲第三乐章
这条旋律显示出的是奋发向上的精神，它也有类似于贝多芬的号角音调的特征。
谱例四：柴科夫斯基幻想序曲《罗米欧与朱丽叶》主题1
曲例四：《罗米欧与朱丽叶》主题1
谱例五：柴科夫斯基幻想序曲《罗米欧与朱丽叶》主题2
曲例五：《罗米欧与朱丽叶》主题2
显而易见，第一条旋律是用来描绘仇恨与斗争的，它棱角尖锐，音符短促，节奏十分不稳定;而第二条旋律舒展、歌唱性强，听上去很深情，可以想像它是描绘爱情的。从这一点上我们可以看出旋律与语言的密切关系，也由此得出结论：听者应该能够从作曲家的旋律中听明白他所想要表达的情感。
作曲家的创作个性在旋律中的表现是很鲜明的，不同的国家、民族又有不同的旋律特色，正如它的人民有不同的文化背景和个性一样。而且各个时代也有它自己的时代特征，比如我国的抗日歌曲，就反映了特定年代人们的思想感情。民歌和戏曲、说唱音乐，也有其旋律特色，京剧的高亢昂扬和江南越剧的委婉秀丽，是很有代表性的。
在一部大型作品中，往往要用很多条性格不同的旋律，他们形成对比和发展，使音乐向前推进。比如前面提到的柴科夫斯基的《罗米欧与朱丽叶》，两条主题旋律在后面都有发展，表现仇恨的、斗争的那一条旋律(曲例三)变得更加激烈、尖锐，爱情主题(曲例四)则变成了悲剧性的高潮，起到了催人泪下的效果。
然而，那些不带文学性、描绘性标题的器乐曲(称之为"纯音乐")应该如何去理解呢?我们还是再举一个例子，这是莫扎特(mozart)著名的g小调第40交响曲第一乐章，它的主题是由气息短促的、带点跳跃的音符组成的，副题则相对来说比较舒展，带有抒情的气质。
谱例六：莫扎特第40交响曲第一乐章主题：
曲例六：g小调第40交响曲第一乐章
谱例七：莫扎特第40交响曲第一乐章副题：
曲例七：g小调第40交响曲第一乐章
这就是构成第一乐章的两个主要素材，在音乐进行当中，它们发展、变化，并不时地还有新的素材加入进来，构成丰富多变的音乐洪流。每个人都能感觉到它的涌流，感觉到它的变化和不断的推进，就像我们可以感觉到在崎岖不平的河床上，河水的流动也是千姿百态一样。能够体会到这些运动的趣味和美感，就是理解了作曲家的意图了，至于它让人产生的联想，那是仁者见仁，智者见智的事。
当我们听得多了，对音乐的感受力会越来越敏锐，想象力也会变得更加丰富，这时就会从音乐审美的过程中获得更多的快感。也许不久以后你就会从旋律中辨认出这是西方的浪漫主义还是巴罗克风格，辨认出这是巴赫还是贝多芬，是肖邦还是李斯特，或者，是我国云南民歌还是蒙族民歌。
旋律，是通向音乐世界的一条小径。
音色(tone-colour)是指乐器或嗓音的音质。
在生活中我们常说，某某人的嗓子音色很美，或音色沙哑、独具个性。我们还会评价小提琴家或钢琴家"音色丰富多变"，甜美或如洪钟般辉煌……等等。这些，都不包括在我们要讲的音色概念中，我们这里要说的音色，在中国的辞典里称作"音品"或"音质"，即某种人声(如男高音、女高音)或某种乐器特有的声音种类。
以人声来说，女高音嘹亮柔美，男高音挺拔高亢，女中音比较暗一些，浑厚而温暖，男中、男低音则是庄重厚实，给人一种坚定的感觉。乐器的音色种类就更丰富了，小提琴的纤柔灵巧，大提琴的深沉醇厚，双簧管的优雅甘美，小号的英雄气概等等……。作曲家对于音色的运用非常讲究，这些各种各样的声音特质对他们来说，就象是画家手中的色彩一样，会令他们的旋律、和声、节奏、力度产生鲜明的效果。
每一种音色都有着特殊的意味。假设你要写一首描写男子汉英雄形象的进行曲，你不大可能选择小提琴、长笛、双簧管这一类音色纤柔的的乐器，而是会考虑响亮有力的铜管，如小号、长号。再假如，要写一首表达缠绵爱情的乐曲，定音鼓、大镲肯定是不行的。由此我们可以看出，音色有着特别的表现力。
音色还有模仿的作用。如模仿暴风雨，我们需要强烈的音色，而微风吹拂，则要用柔和的音色。法国作曲家圣-桑(saint-saens)在他的组曲《动物狂欢节》中非常生动地描绘了各种动物的形象，其中的"大象"一曲是用乐队的低音区来描绘大象的笨重，音色则是声音粗拙的倍大提琴。
曲例一：圣-桑《动物狂欢节》中《大象圆舞曲》
倍大提琴的音色对大象来说是再合适不过了。乐队中的低音乐器还有其他种类，如大号、低音单簧管、大管，但它们都比不上倍大提琴合适，因为大号的声音较硬，有一种冷冰冰的威慑力，低音单簧管和大管又嫌淡薄了点，不像是大象那粗壮的体态和沉重的舞步。
曲例二：贝多芬《田园交响曲》第二乐章末尾
贝多芬在这里用长笛、双簧管和单簧管来模仿描绘鸟儿的歌唱，其明亮、轻盈的声音会使人立即联想到可爱的小鸟和美丽的大自然风光。这部作品的第四乐章是"暴风雨"，贝多芬先让小提琴奏出短促的音符和嗖嗖凉风似的短促动机，倍大提琴则在低音区奏震音，这隆隆的声音就像远处的滚雷，然后，木管和定音鼓加入进来，力度逐渐增强，突然间铜管咆哮起来，定音鼓重重地捶击，毫无疑问，"暴风雨"降临了。贝多芬在这里动用了整个管弦乐队的能量。
曲例三：贝多芬《田园交响曲》第四乐章"暴风雨"开头
这部作品的第五乐章标题是"牧歌，暴风雨过后的感恩心情"。贝多芬先用单簧管那鸟儿歌声般的声音，宣告雨过天晴，大地恢复了宁静安详。圆号的呼应像远处群山的回声，又象是猎人们重又吹起了猎号。之后小提琴以明亮的声音唱起感恩之歌，表达了作曲家发自内心的幸福和赞美之情。这条旋律越来越明亮，情绪越来越饱满，高潮处加用了铜管辉煌的音色。
曲例四：贝多芬《田园交响曲》第五乐章的开头
每一种乐器或人声种类都有它特定的表情意义和描绘功能，或者说特定的音色。但作曲家不会满足于这些"原色"，他们要使各种音色加以混合，要用不同的演奏法对音色进行改变，以此来扩大音色的种类和表现力。这种技巧就叫做配器(orchestration)。
作曲家们必须精通配器法，熟悉各种乐器搭配出来的效果。如长笛与大管齐奏，会使大管暗淡的音色镀上一层银光;又如三角铁在某处轻轻敲几下，会增添一种闪闪发光的感觉;定音鼓滚奏的时候，让大镲也轻轻震动，它会为定音鼓浑厚朦胧的声音带来一层金属般的光泽……除了乐器不同种类的结合，使用乐器数目的多少也会产生不同的效果。一把小提琴的独奏与全部小提琴声部(一个乐队里通常会有二十把左右的小提琴)的齐奏，所获得的音色肯定是不一样的。
曲例五：帕格尼尼小提琴随想曲no.1
曲例六：帕格尼尼小提琴随想曲no.2
曲例七：帕格尼尼小提琴随想曲no.3
曲例八：帕格尼尼小提琴随想曲no.4
曲例九：帕格尼尼小提琴随想曲no.10
混合音色和演奏法可以使原本有限的音色变得无限丰富，而新的乐器还在音乐发展的进程中不断涌现，如20世纪高科技的产物"电子合成器"(synthesizer)，是一种依靠电子技术发声的乐器，不仅可以模仿乐器和人声，还能做出想象中的太空神秘的声音，战场上的声响，门窗破碎和狂风呼啸等等，只要想象得出来，几乎都可以实现。在影视作品中，电子合成器起到了非常重要的作用。
曲例十：马斯卡尼《乡村骑士》中的间奏曲片段
作曲家常常将电子合成器与管弦乐队配合使用，使整个音响既有亲切和真实感，同时又有一种空灵、神秘的效果，会令人产生无限的遐想。
曲例十一：cd唱片《神秘园》选曲
前面着重介绍了音色在表现特定情绪、描绘形象方面的作用，实际上更为常见的是作曲家纯粹从音响的变化、对比角度来运用音色，尤其在较长大的作品中，音色的变化更是频繁、丰富。它起着结构上的对比、推进以及形成对称等等作用，这将在我们欣赏经验的不断提高中体会到。
音乐欣赏课教学反思篇七
音乐真的很奇妙，很伟大。
没有限定，没有模式，没有距离。
只要，你是生命的歌者。
它的存在就是意义。
它会给我们带来很多。有时像幽怨而舒缓的诉说，却又总是表现着悲壮和辉煌。有时它又体现的不是那么的清楚，仿佛留给你一个深深的思索。甚至有时会无形的带给我们生存的沉重，但很快的我们又可以通过它乐观的直面人生。
不管它表现着什么，对于某个人而言，它都是单纯，执着的，是独树一帜，与众不同的。
假若你要种一棵树，或许只能够顺着自然规律，让它按照自己的本性生长。或许种树者根本就崇拜羡慕别人的树，对于自己的不是马马虎虎，就是爱的太过分，失去自由空间，结果让活着的还是死去。
音乐，亦是如此。它的根需要舒展，培土需要均匀腐熟，为它筑的土需要围实。
这也许就是我对它的理解吧，因为它是我生活以外的生活，一种迫切理解并渴望描述的生活。
透过它，我总是希望能够从中找到我要表现的意义与色调。
然而，那种音乐我也许找到了，也许还没有。
当生活中的感受积累在心中不得不说时，是否就变成了一首歌，一首沉重而虔诚的歌。
音乐欣赏课教学反思篇八
肖邦的全名是弗里德里克·弗朗索瓦·肖邦，波兰人。他是历史上最具影响力和最受欢迎的钢琴作曲家之一，是波兰音乐史上最重要的人物之一，是欧洲19世纪浪漫主义音乐的代表人物。肖邦一生的创作大多是钢琴曲，被誉为“钢琴诗人”。舒曼称他的音乐像“藏在花丛中的一尊大炮”，它向全世界宣告：“波兰不会亡”。在我的印象中，他是个纤弱、儒雅、温柔而又有才的男子。
肖邦一生创作了大约二百部作品，其中大部分是钢琴曲，著名的有：两部钢琴协奏曲、三部钢琴奏鸣曲、四部叙事曲、四部谐谑曲、二十四首前奏曲、二十首练习曲、十八首波兰舞曲、四首即兴曲等等。
其中，我最喜欢的是《升c小调圆舞曲》。在外界的评论中，肖邦的《升c小调圆舞曲》是一首热情奔放的作品。每当我紧张，烦心时，非听这首曲子不可。
听得我心有戚戚焉。我认为这首曲子可以分为三部分，第一部分缓慢、悠扬、抒情，又带着一点浅浅的悲伤。给我的感觉就像是一头高傲的梅花鹿在冬日的暖阳中，缓缓地漫步在丛林之中。整个画面温和而平静。转而进入第二部分，梅花鹿不再是缓缓地漫步，而是张开了四条腿，迅速有力地奔向远方，越跑越快，扬起地面上的一些灰尘，给人一种气势蓬勃、强劲的感觉。第三部分又回到第一部分的曲调，画面切换，仿佛到了梅花鹿的老年时期，在静静地回忆这些美好的过往。整首曲子有一种哀伤的基调，但最能抚平人们心中的不安。这首曲子的创作背景是在肖邦和女作家乔治·桑相识相爱，却又因为种种原因而分开后，肖邦回忆起曾经和乔治·桑的点点滴滴，写下了这首曲子。乍一听，会感到它的旋律很美，实际上它隐藏着一种说不出来的悲哀。
音乐欣赏课教学反思篇九
随着科学的发展，将艺术划分得也越来越细，但音乐不是以单一的形式存在的，不是单纯用嘴唱或用耳朵听，它是一种综合的艺术，可以一边唱一边跳一边用乐器演奏。
奥尔夫指出：原本的音乐是什么呢？原本的音乐决不是单纯的音乐，它是和动作、舞蹈语言紧密结合在一起的。
这是人类本来的状况，是原始的，也是最接近人心灵的，因此可以说音乐是综合的艺术。
奥尔夫音乐适合那些自闭症儿童听。（我也喜欢，但我不是自闭症儿童）
孩子的生活经验没有受太多的社会影响而定型，因此他们天然的具有对音乐的创造性。
在看到一幅图画后，他们可以根据自己的理解用音乐去表达，通过简单的乐器即兴演奏、即兴表演，使孩子也从事艺术家的工作，用音乐去挖掘、去创作、去发挥想像力。
当没有乐器时，他们能用手、脚、筷子、报纸等代替音乐进行演奏，充分体现对乐器的创造性。
奥尔夫音乐，自闭儿童们都十分喜欢。奥尔夫音乐，影响最广泛的三大音乐教育体系之一。
奥尔夫音乐的旋律和节奏，还有与儿歌说白、律动、舞蹈、戏剧表演甚至是绘画、雕塑等视觉艺术都有相联系。
奥尔夫音乐都体现了音乐的魅力。也使儿童得到“营养”。
音乐欣赏课教学反思篇十
学校开音乐欣赏课是教育方针的体现，培养德智体美劳的健全人才，对于非音乐专业甚至风牛马不相及的专业来说，学生选修这课是为了学分，完成学校的学习任务。所以我们都对这课贴上“无价值”标签的课，倒不如多学点专业知识实在。
我是学电子商务的，对音乐可谓是局外人，谈不上欣赏，只能用好听与不好听来区分，说外因吧，山村学校出来的，那时钢琴什么乐器之类的只在书本上，音乐课老师是提收音机来教学的，真正的”音乐欣赏课“，倒是对周杰伦、蔡依林的歌声评头论足。说内因吧，那不得说音乐细胞了，可能没有祖传基因，就不存在这天赋了。
虽然每次上课都是带着耳朵就行的，老师一边放音乐，一边讲解背后的故事，大到与当时的历史背景、政治制作挂钩，音乐家的怀才不遇，统治者的压迫，小到音乐家生活的漂泊不羁、四处流离，种种插曲，过后对他们的了解还是“半瓶醋”。甚至叫我罗列出那些较有名的音乐艺术家名字都一筹莫展，当然那些老师讲的比较多的还是能耳熟能详。首先贝多芬是再熟悉不过了，但是他最先活在我们生命里是在小学语文课中，不是在音乐课中，那是对他的学习纯是精神产物，与音乐不挂钩的，歌颂的是贝多芬生命的曲折铸就自己伟大的人生，给我们注入坚强、拼搏精神支柱。现在音乐欣赏课上带着他的音乐去诠释他的人生，我还真能更深入的领悟伟人的生命，随着他的音乐曲响起，我们内心的波澜变得平静，犹如浸入秋天的萧瑟中，一切变得无趣，我们内心多了一丝凉意，他的音乐就有那股力量让你屈服，也许你的性格刚烈奔放，阳光四溢，但此时你也在他的音乐声中走进了他的生命，去感受他的悲喜交加，不再是文学里华丽的辞藻来概括他人生的全部。海顿、莫扎特、肖邦等天才般的音乐家也是我们学习的对象。
音乐会是当时贵族生活的调味剂，庄重、高贵、优雅是给上层阶级生活的代言。最起码让你懂得三六九等，什么是阳春白雪，什么是下里巴人。这对我们树立正确的世界观、人生观、价值观有着深远意义。
我们对《音乐之声》都赞不绝口，赞女主人公善良，温柔，体贴，典型的贤妻良母型，对孩子的教导有方，对军官的羞涩含情„„然而老师拿到了音乐欣赏课上，对其中的音乐片段给了专业的讲解。所以最起码给我们看待事物多了一个角度，多了点色彩，多了点乐趣„„又给我们生命增添了谱写之章，生活也多了分乐趣，不在寂寥单调。